10个最具影响力的艺术运动，至今还在使用！

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一味追求现在的设计趋势，却不知过去还有很多艺术运动至今还在被使用，身为设计师的你有没有真正的了解过？身为设计师的你有没有真正了解过？今天我们将探索10个最具影响力的艺术运动，看看它们是什么时候开始的，为什么它们会如此受欢迎，以及它们的遗产在当代艺术和设计如何延续的。

01. 艺术线条

Leonardo da Vinci’s View of a Skull (1489) and Study for the head of Leda (1505-07) via drawingsofleonardo.org

线条艺术虽然不是严格意义上的单一时期，但它贯穿于每一个艺术运动之中——最早出现的洞穴壁画（比写作早数千年）和出现在各个时代的雕塑、素描、绘画、插画、蚀刻和版画中。

文艺复兴时期的画家Leonardo daVinci的解剖画就是传统线描形式的例子，而现代线条艺术则采用更为抽象的几何形式。JacksonPollock的表现主义绘画被认为是线条艺术，当代英国画家Bridget Riley的视错觉也是如此，而总部位于波特兰的设计师Benjamin Ewing则将该系列本身作为一个主题。

Jackson Pollock’s Convergence (1952) via jackson-pollock.org

Bridget Riley’s Fall (1963) via tate.org

You Suffer, I Suffer by Benjamin Ewing (2017) via Behance

02. 印象派主义和后印象派主义

Sunset on the River at Lavacourt, Winter Effect (1882) by Claude Monet via creativebloq.com

The Starry Night (1889) by Vincent van Gogh via Wikipedia

印象主义是19世纪在法国发展起来的，当一批巴黎艺术家——包括ClaudeMonet,Pierre Auguste Renoir和Camille Pissarro——他们厌倦了画室，于是把画笔颜料和画布捆在一起，走到外面时，从而印象主义产生了。

印象派作品以描绘风景为特色，其特点是笔触细腻而清晰（这让那些不认为可感知的笔触具有艺术性的传统主义者感到十分兴奋），并常常试图捕捉自然光和四季变幻莫测的美。

由Vincent vanGogh等艺术家主导的后印象派进一步远离自然主义，打破了光与色的所有“规则”。如今，光线仍然是所有当代艺术和设计类型的一个重要考虑因素和组成部分——也许我们应该感谢印象派，因为它让我们可以自由地对形式和颜色进行实验。

03. 点画派

Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte (1884-86) by Georges Seurat via The Art Institute of Chicago

Pointillism也被称为“点画艺术”或“点艺术”，是法国艺术家Georges Seurat和Paul Signac开创的绘画艺术，两人与他们的印象派伙伴分道扬镳，将他们的小油漆轻拍和笔画演变成鲜明的色彩点。当整体应用时，形成有凝聚力的、详细的和立体的图像（如果你愿意的话，有点像我们现代的像素画）。

这种技术在包括时装、艺术和纹身在内的各种多元的媒介中仍广泛使用，当代用点画创意包括总部位于迈阿密的艺术家Miguel Endara（其作品的英雄是由320万个手绘点组成的），日本艺术家Yayoi Kusama（可以说是圆点舞女王）和水彩画家Ana Enshina，其代表作Lots of Dots:美丽的艺术始于一个点。

Hero (2011) by Miguel Endara via miguelendara.com

Yayoi Kusama’s The Spirits of the Pumpkin Descended into the Heavens (2015) via the National Gallery of Australia

An example of Ana Enshina’s Colorful Dotted Animals via Behance

04. 新艺术运动

F Champenois Imprimeur Editeur (1897) by Alphonse Mucha via creativebloq

法国著名的派对动物艺术家Henri de touloues – lautrec在1890年至1910年间领导了“新艺术运动”(Art Nouveau)，这是一场横跨建筑、家具、珠宝、海报和插画的运动，在欧洲和美国蓬勃发展。

受植物和花卉的自然形态的启发，这段美丽的时期以弯曲的形状、芥末色、橄榄色和深红色调以及不对称的线条为特征——所有的这些都是对那个严酷的工业化时代的勇敢反抗。

捷克平面艺术家Alphonse Mucha 和西班牙建筑师兼雕塑家 Antonio Gaudí是其他著名的新艺术运动人物之一，围绕巴黎地铁入口的精致圆弧（由Gaudí,HectorGuimard所设计的法国版）仍然是对这个时代的致敬。

近年来，随着平面设计中华丽的植物插画的流行，新艺术风格又卷土重来。

Chocolate bar packaging by Mila Katagarova via 99designs

Alvarez Juana’s botanical-inspired branding for Florence-based tea shop Tealicious via InDesign

05. 立体主义

Girl with Mandolin (1910) by Pablo Picasso via Modernism

1907年，西班牙画家Pablo Picasso和法国画家Georges Braque发明了这种描绘现实的革命性方法，被称为“现代艺术的第一个抽象风格”。在巴黎见面会后，这对艺术“古怪的情侣”从更多的具体形式转向完全抽象，共同创造了立体主义。

这一运动的特点是题材碎片化，从不同角度可以看到（因此得名于三维“立方体”）它反对了艺术应该复制自然的观点并从非西方艺术的更具表现力的倾向受到影响。

立体主义者将拼贴画引入绘画，这种技术至今仍然多产，以及在当代设计中广受欢迎的四四方方的三维效果。

Geometric Beauty Portrait (2019) by Peter Olexa via Behance

The Ingenious Gentleman Don Quixote of La Mancha (2013) by Simon Frouws via Dribble

City Sunset (2013) by Dragoslav Malinic via Behance

06. 未来主义

Bombardamento Aereo by Tullio Crali (1932) via creativebloq

1909年，意大利诗人和艺术理论家Filippo Tommaso Marinetti推出了“未来主义”，他的灵感来自一个令人振奋的时刻：他与一名骑自行车的人擦肩而过而将自己的汽车开入沟里报废了。

这种运动偏离了立体主义的精确线条和方形形状，偏向于更加不稳定的、有棱角的形式和悬挂的斜坡，目的是捕捉速度、动作和当时的技术（旁注：与其他运动相比，它也聘用了更多的女性艺术家，据说“为女权主义铺平了道路”）。

未来主义是短暂而尖锐的（结束于1916年），但留下了它的印记，仍然可以在大胆的交叉线和阴影中发现，这些线条和阴影为现代设计增加了维度和动感。

Seamless pattern of geometric shapes via Shutterstock

07. 装饰主义

Adolphe Mouron Cassandre’s Le Nord Express (1927)

Normandie (1935) posters via Art Deco Style

20世纪20年代兴起的艺术装饰运动试图美化大规模生产的功能性建筑，如钟表、汽车和建筑物。它在两次世界大战之间达到了最受欢迎的程度，试图代表奢华、魅力、科技和社会进步（如果你看过《了不起的盖茨比》，你就会明白了）。

该运动的特点是从流动的花卉形式转变为流线型的，几何设计。它有利于对称性、强烈的垂直线条和光滑的形状，反映了机器时代的摩天大楼和钢梁。

装饰艺术的美学可以说从未真正过时，在当代文化中仍然很丰富——特别是在最近复古平面设计潮流的兴起之际。

Art Deco inspired logos by Earch via 99designs and visualcurve via 99designs

08. 超现实主义

Salvador Dalí’s The Persistence of Memory (1931) via My Modern Met

它可能是由巴黎诗人André Breton创立的，但超现实主义之父无疑是西班牙的Salvador Dalí

(of the alarmingly upturned mustache)。1924年，这个艺术文学运动兴起是从Sigmund Freud的精神分析理论中获得灵感。Sigmund Freud的职业是挖掘病人的潜意识。

超现实主义者避开了现代社会的“压迫性理性主义”，更喜欢专注于潜意识领域。例如梦想和不受约束的想象力。他们的作品通过随机物体的出现和不合逻辑的并列创造了一个“惊喜元素”。

许多当代艺术品（如澳大利亚黑名单工作室和罗马尼亚数字艺术家MadalinaIordache-Levay） 中发人深省的构图继续让我们感到惊讶，现在我们已经有唾手可得的照片处理工具，超现实主义造型在平面设计中是非常丰富的。

Sometimes I Always print by Blacklist studio

Rain Spell by Madalina Iordache-Levay via webdesigner

Lifecoach website design by Spoon Lancer via 99designs

09. 波普艺术

Andy Warhol\’s prints of Marilyn Monroe (1962-67) via MoMa

Soda, soup 和 celebrities，这些都是波普艺术的主题。波普艺术兴起于20世纪50年代后期，尽管波普艺术起源于英国，但随着Andy Warhol 和 JasperJohns等艺术家对艺术应该是什么提出传统观念，波普艺术在纽约爆发了。

受流行和商业文化的启发，波普艺术作品通常以普通的家居用品、消费品和包装为特色（可口可乐和坎贝尔的汤罐比比皆是），以及大众熟悉的媒体形式（漫画书、好莱坞电影、广告）和标志性面孔（Andy Warholand Jasper Johns

当代平面艺术设计师经常使用波普艺术的特色，如点状图像、大胆的色彩和重复的一系列图像。艺术家Jeff Koons，AlexKatz和Julian Opie等都是让运动保持活力的人之一。

Julian Opie’s portraits of Blur (2000) via Artfund_

Jeff Koons’ Balloon Dog (1993) via Jeff Koons

Alex Katz’s Brisk Day Series (1990) via Artsy

10. 极简主义

Frank Stella’s Harran II (1967) via Guggenheim.com

极简主义艺术回避艺术表达，更喜欢保持事物的字面意思（正如极简主义的创始人之一，画家Frank Stella,在谈到这场运动时说的那样，“你看到的就是你所看到的”。）极端简单是这场运动的关键，在这场运动中媒体和材料从背后的艺术家那里抢走了风头。

20世纪60年代初极简主义出现在纽约（也被称为ABC艺术、文学主义、文学艺术、还原主义和拒绝艺术），极简主义的特点是稀疏性，包括Stella，雕塑家Donald  Judd 和画家Carmen  Herrera在内的艺术家们倾向于使用最少的线条和形式来制作作品，而早期的作品往往是单色的。

这场运动只维持了十年，但极简主义仍然非常流行，一种“少即是多”的哲学目前正在清理众多的创意领域（例如Marie Kondo）。具有极简主义思想的当代艺术家包括以闪烁的白色单色而闻名的画家Mary Corse和雕塑家Arno Kortschot.

Mary Corse’s Untitled White Multiple Inner Band (2003) via AnOther

原文：https://www.canva.com/learn/10-influential-art-movements-still-used-today/
作者：Melanie Dimmitt
翻译：Christine（ID:shejidaren888）

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